Est-ce que tu penses à faire une compétition dans un futur rapproché, ou bien tu aimerais éventuellement faire partie d'un spectacle? Le meilleur moyen de rendre ton numéro de pôle ou d'aérien mémorable pour le public, c'est d'avoir un concept fort qui se démarque des autres. Ce n'est pas pour me vanter, mais je crois que la construction d'un personnage et d'un concept est un de mes points forts. Ma technique n'est peut-être pas parfaite et mes orteils ne sont pas toujours pointés, mais les gens se souviennent de mes prestations parce qu'elles sont différentes. Bien sûr il n'y a pas de formule magique pour la créativité et le cerveau de chacun.e crée différemment, mais je te présente quelques questions que tu devrais te poser au début et tout au long de l'élaboration de ta chorégraphie.
C'EST QUOI TA CHANSON?
Tout d'abord, souviens-toi que tu vas réécouter la même chanson encore et encore pendant plusieurs semaines. Choisis une chanson que tu aimes et que tu es prêt.e à écouter en boucle, parce qu'à la fin du processus tu ne voudras plus jamais l'entendre.
Ensuite, je te suggère fortement de choisir une chanson avec beaucoup de variations dans le rythme et dans les intonations. Non seulement cela sera plus facile pour trouver le squelette de ta choré -par exemple tu fais un drop quand la musique devient agressive ou bien tu fais des mouvements au sol quand le musique ralentit- mais ce sera aussi plus intéressant pour ton public si le beat change et les garde en haleine.
Un rythme répétitif, c'est agréable quand tu fais de l'improvisation parce que tu sais ce qui s'en vient, mais ça peut vite devenir ennuyant quand il s'agit d'une pièce plus complexe.
QUI EST TON PERSONNAGE?
Je ne parle pas de ton costume ou de quoi tu as l'air. Est-ce que tu personnifies un être humain, un animal, un personnage fictif, un élément? Même si c'est juste pour toi, tu dois connaître la nature de ton personnage. C'est ce qui guidera chacun de tes mouvements. Et ce n'est pas tant par rapport aux combos que tu feras, mais bien pour tout ce qu'il y a entre les mouvements. La manière dont tes bras bougent. Ta façon de marcher d'une pôle à l'autre.
Un bébé ne bougera pas de la même manière que le ferait un champion de lutte. Et Spiderman ne se déplace pas de la même façon que la Méchante sorcière de l'Ouest. Tu dois réfléchir et analyser comment ton personnage bougerait dans chaque situation. Demande-toi fréquemment "comment X bougerait dans cette transition?".
QUELLES SONT LES ÉMOTIONS?
Les émotions. Au pluriel. Il devrait y avoir une évolution dans les sentiments que tu essaies de faire vivre à ton public.
Tu ne devrais juste "être triste". Peut-être qu'au début tu découvres quelque chose qui te rend triste. Puis tu travailles sur cette tristesse, en étant fâché.e ou bien en te refermant sur toi-même. Et à la fin de ta performance tu as surpassé ce sentiment de tristesse et tu es en paix avec cette nouvelle réalité.
De la même façon, tu ne devrais pas être juste "heureux.se". Montre-nous ce qui te rend heureux.se. Y a-t-il un moment dans la musique où tu sens que la joie pourrait te quitter? Ton personnage doit trouver un moyen de retrouver le bonheur avant la fin du spectacle.
Personnellement, je me fis beaucoup aux fluctuations dans la mélodie pour me guider. S'il y a une pause dans la musique, mon personnage utilisera ce moment précis pour réfléchir à la situation et devenir une meilleure version d'elle-même.
UTILISE TES ACCESSOIRES
Mais seulement si c'est nécessaire. Si ton choix d'accessoire est un objet aléatoire que tu tiens dans ta main pendant trois secondes au début de ta chorégraphie et que tu n'y reviens jamais... Ne l'utilise pas. J'adore les accessoires, mais seulement s'ils sont bien utilisés.
Tes accessoires devraient dire au public qui est ton personnage (alors reviens à la section précédente si ce n'est pas encore clair) et ils devraient être utiles dans ta routine. Un accessoire, c'est comme un acteur avec qui tu joues. C'est un personnage secondaire qui aide le personnage principal (toi) à développer cette évolution dans les sentiments dont je viens de parler.
QU'EST-CE QUE TU FAIS?
Maintenant que tu sais qui tu es et qu'est-ce qui se passe, qu'est-ce que tu fais? Quels combos veux-tu montrer et quels mouvements devrais tu intégrer?
La réponse est évidemment personnelle et dépend aussi du niveau auquel tu es (s'il s'agit d'une compétition). Mais voici quelques éléments à garder en tête pendant la construction de ta choré.
Choisis des mouvements dans lesquels ton corps se sent bien. Il y a de ces mouvements qu'on réussit du premier coup et dans lesquels ton corps semble dire ah oui ça c'est facile (même si ce ne l'est pas). Ce sont les mouvements que tu devrais prioriser. Bien sûr si tu veux relever un défi tu peux choisir quelques tricks un peu plus difficiles que tu seras fier.ère d'avoir travaillés. Mais c'est ton moment de gloire, assure-toi d'afficher tes plus grands talents.
Par contre, et encore une fois, n'oublie pas que même si c'est toi qui performe, c'est ton personnage qu'on veut voir. Assure-toi que tes mouvements correspondent à ton idée principale. Est-ce qu'un scientifique fou ferait des splits? Ou bien est-ce qu'une personne d'affaires sauterait tout partout? Tout doit avoir un sens.
J'espère que ces informations t'aideront un petit peu à comprendre comment créer un concept fort pour une routine de pôle ou d'aérien. Si tu n'es toujours pas sûr.e que ta chorégraphie rend bien ton histoire ou ton personnage, n'aies pas peur de demander à des ami.es ou des coachs d'observer et de te dire ce qu'iels pensent que tu essaies de raconter. Un regard extérieur peut être très bénéfique quand tu te sens coincé.e.